miércoles, 15 de junio de 2022

Reflexión final

ESTÁS LEYENDO MI ULTIMA REFLEXIÓN DEL CURSO 21-22 DE 1ºBACHILLERATO DE ARTES ESCÉNICAS, para ver la diferencia respecto a "Mis primeras impresiones" lee a continuación y luego pincha aquí--->>> https://talkingaboutartsa.blogspot.com/2021/10/primeras-impresiones.html?m=1


    -> Para mi la CULTURA AUDIOVISUAL ha sido una asignatura muy entretenida y trabajosa al mismo tiempo, la parte entretenida es toda "la práctica"; hacer fotos, crear cosas, realizar videos, y la parte dura ha sido "la teoría"; aprender todas las técnicas, formas de expresión, funciones, perspectivas, etc...
Pero en definitiva una asignatura bastante completa.


    -> Considero muy IMPORTANTE conocer el lenguaje audiovisual porque es gracias a él por el que hoy en día podemos entendernos de mil maneras utilizando estos grandes canales comunicativos.
 
Y además gracias a la tecnología, es posible difundir un mensaje, sea de tipo que sea, a través del audio y la imagen. 
 
Las películas, documentales, programas y contenidos de radio, televisión e internet, fotografías y archivos… preservan la memoria del mundo. Sus hechos, percepciones y sentidos, que nos permiten describir nuestro presente e imaginarse nuestro futuro.
 
Además, la digitalización ha potenciado las posibilidades de preservación, análisis y, especialmente, acceso. 

 

    -> En esta asignatura ME GUSTARÍA APRENDER a poder transmitir algo, lo que sea, simplemente con un sonido o imagen, saber que palabras utilizar, cómo y cuándo. (esto puse en "Mis primeras impresiones")

Después de todo un año académico he aprendido los orígenes y las etapas por las que ha pasado la fotografía y por lo tanto el video y el cine. A editar imágenes en byn y darle el color que quería a cada elemento.
 
Ahora se trucos, tácticas y muchas maneras de crear algo, lo que sea, porque he descubierto la versatilidad de los elementos que usamos día a día.

Y a crear mis propios proyectos tales como: fotografías que transmiten sentimientos y logra crear emociones en quien las ve, fotografías con medios antiguos como lo hacían nuestros antepasados, programas de radio, cortos, anuncios...
 
Veo mi progreso y la verdad pienso que ha sido un año bastante inspirador.

"LOS HOMBRES DE LA VIGA"
 
 
 
En la anterior imagen "Los hombre de la viga" no se sabe mucho de su origen. Hoy lo único que nos queda de ella es este negativo y su autor.
En ese entonces el mundo estaba sumergido en una de las crisis más graves que ha conocido el hombre moderno. La caída de la bolsa en el 29 había arrastrado a todo el mundo. Poco a poco en las ciudades fueron levantando, con ayuda de las grandes fortunas, numerosas construcciones y edificios para crear empleo... 
 
Es una fotografía de una calidad impresionante. La exposición es perfecta, no hay nada quemado ni sobreexpuesto. Y la nitidez que tiene permite distinguir hasta el más mínimo detalle.

Considero que en esta imagen los principales elementos son: por un lado los obreros, que componen la figura principal y por otro lado la ciudad a sus pies que  genera el contexto de la foto y es lo que le otorga mayor significado a la misma.

La imagen tiene luz natural, un encuadre horizontal, además podemos observar que se combinan líneas verticales, horizontales y curvas, además la fotografía esta realizada con máxima profundidad de campo, o al menos con la máxima que se podía conseguir en los años 30.

La imagen muestra a 11 obreros almorzando sobre una viga, haciendo un descanso para comer sentados, con la ciudad y el vacío a sus pies.
 
Refleja la sociedad en crecimiento que se sostiene frágilmente, y a los propios hombres (inconscientes y contentos) que la integran. La fotografía sirvió para denunciar las pésimas condiciones laborales de los trabajadores en esa época.
 
Creo que es una foto documental, ya que da testimonio de un hecho, en este caso de las inexistentes medidas de seguridad en el trabajo de la construcción.
 

Esto son 3 fotografías de un bodegón realizado por mi:

1. LUZ FRONTAL

2. LUZ CONTRAPICADA LATERAL IZQ

3. LUZ CENITAL

 

Las 3 imágenes están realizadas con muy poca luz natural y con una linterna iluminando desde el ángulo que he preferido en cada caso para mi proyecto.
 
Creo que la dirección de la luz en la primera imagen es esencial, ya que muestra los objetos sin distracciones visuales, ni sombras que tapen o resalten más que el propio protagonista de la fotografía, el BODEGÓN y también está expuesta de manera bastante equilibrada. Las únicas sombras se encuentras justo detrás de los objetos y el ángulo frontal me permite hacer que no salgan.

La segunda fotografía igual que todas tiene un plano entero donde se encuentran todos los elementos muy centralizados, y un ángulo frontal donde realizo la imagen, SOLO ES LA LUZ LA QUE CAMBIO DE POSICIÓN, en este caso es desde el lateral izquierdo con un ángulo contrapicado, donde resalta primeramente los tomates cherry y los demás elementos respectivamente en dirección de la luz, oscureciendo el mortero y parte del jarrón con las manzanas. A parte de crear las sombras tan visibles de la botella y la parte derecha.
 
Respecto a la tercera imagen, me atrevería a decir que es la que más me ha gustado. Creo que la manera con la que la luz cenital se funde en todos los elementos y de manera suave y sutil, me encanta...
Crea ciertas sombras en la base y en ellas se puede apreciar que la luz está en el centro de todo el conjunto de elementos que forman el bodegón. Además de verse en la pared que los lados no están tan iluminados como en el centro.




jueves, 7 de abril de 2022

Chema Madoz

1. CARACTERÍSTICAS de la obra de CHEMA MADOZ.

Arte contemporáneo.

Combinaciones de objetos y formas.

Un universo poético de gran poder metafórico.

Tienen muchas capas.

Busca las miles de posibilidades que tiene un mismo objeto.

Alto sentido poético y simbólico. "Es lo extraordinario dentro de lo cotidiano".

Tiene un estilo accesible, ya que trabaja con tal economía de elementos.

No pone título a sus obras, son realmente poemas visuales.

Imágenes sorprendentes, densas y espectaculares, capaces de comunicarse con las personas.

Utiliza el blanco y negro, ya que limita el color a dos opciones que se enfrentan, como sucede con los objetos y porque permite jugar mas fácilmente con las texturas a la hora de establecer vínculos (un equilibrio).

 

2. Relación: IMAGEN - REALIDAD.

En las fotos de Chema Madoz el blanco y el negro son dos elementos como enfrentados pero que, en lugar de separarlos, transforma y funde los objetos fotografiados adquiriendo una nueva realidad.

Para el fotógrafo, la ausencia de color abre las puertas a una realidad alternativa, una “recreación de la realidad”, en la que los límites de lo posible se disuelven.

Una avestruz puede posarse sobre un huevo inmenso y enterrar en él la cabeza. 


 

Un árbol es capaz de llorar notas musicales.


 

Una aguja puede tejer gotas de agua.


 

Este fotógrafo trata de descubrir y tirar de los lazos invisibles que unen a dos objetos entre los que aparentemente, no hay relación alguna.

«No sé atribuir la cita, pero decía un artista que en el momento en que reúnes dos elementos, cuanto mayor sea la distancia entre ellos, mayor es la tensión que se crea en la imagen. Algo de cierto hay en ello», afirma Madoz.

Ante la tensión de sus obras el ojo se detiene, duda y se sorprende al redescubrir lo cotidiano.

Madoz afirma: «En los inicios de mi trabajo, salía a la calle e intentaba fotografiar todo aquello que me rodeaba, hasta que caí en la cuenta, con el paso del tiempo, de que, en realidad, aquello con lo que estaba esperando tropezarme era algo que ya estaba en mi cabeza. Ahí doy el salto y decido prescindir del azar».

Mediante sus obras nos muestra objetos cotidianos distorsionados en formas surrealistas, incluso haciendo ilusiones ópticas, alterando su uso original.

El resultado puede ser interpretado como mensajes que van desde el humor y la ironía hasta el drama, sin perder belleza.

Es un estímulo para llevar a las preguntas de cómo se construyó la imagen y qué significado tiene. Pero es un recurso nada más, simplemente eso, una herramienta para transmitir lo esencial que no deja de ser el mensaje.

 

3. ANÁLISIS.

Sus creaciones son imágenes simples, sus blancos, negros y grises le dan mayor intensidad a la imagen.

Empieza por una idea imaginada y bocetada en uno de sus cuadernos. Esos dibujos le dan una aproximación de cómo será la apariencia final y le permiten comprobar si funcionarían.

Trabaja de dos maneras: parte de un objeto seleccionado especialmente, o bien él mismo se dispone a construirlo a partir de otros en un proceso lento pero continuo.

Una vez construido el nuevo objeto pasa a fotografiarlo, frecuentemente con luz natural, logrando imágenes con gran contraste y nitidez, además de armónicas, compositivamente perfectas.

Con la sencillez y perfección de la técnica transmite mensajes impactantes, que invitan al espectador a echar una segunda mirada, y una tercera... 

 





Los espacios con los que trabaja suelen ser muy pequeños y normalmente depende mucho del objeto fotografiado.

El contraste suele ser muy alto, la nitidez también suele ser alta, cada objeto queda siempre de forma que toda su forma nos llame la atención. El resto de cosas son uniformes y quedan en un segundo plano.

La tonalidad es siempre uniforme (todo en el mismo tono) al menos los fondos de los objetos principales. Pretende que nos fijemos en las formas y objetos principales, que no existan más detalles.

Suele utilizar luz natural, pero en algunos momentos se ayuda de luz artificial para realzar detalles de algún objeto. Es una fotografía de tipo minimalista, alejada de todo colorido, de tonos uniformes donde llama la atención el objeto, que es el protagonista de la foto.

Un objeto que puede transformarse en otra sensación gracias a la ayuda de otro, no busca la verosimilitud, sino que pensemos y nos haga sentir algo diferente a lo que podemos ver por separado, la perspectiva la varía intencionadamente sobre el objeto, según lo que nos pretenda mostrar.

Se nota que tiene en cuenta la regla de los tercios, los elementos quedan distribuidos de forma que la imagen quede llena y proporcionada como un conjunto.

Está cerca de lo abstracto, pues se nos muestran nuevas formas a través de los objetos, lo cual crea nuevas formas de interpretar la obra.

 

4. MI IMAGEN (siguiendo su influencia).


En mi imagen he decidido coger una cuerda gruesa, unos alfileres y un par de botones; y he creado una serpiente de cascabel, el cual está hacia inclinado hacia arriba y la cabeza la tiene en alto mirando al frente.

Los botones me han servido de ojos, los alfileres de colmillos y la cuerda como elemento principal; ayuda bastante que sea una cuerda, en la que se retuercen los hilos y da sensación de que sean escamas, a parte de tener esos pequeños cuadros negros aportándole mayor textura.

Con gomas elásticas pude hacer la cabeza y el cascabel, y está en una pose natural para su especie (atenta).

Como se puede observar está en blanco y negro, en la que se mezclan ciertos tonos de grises, tanto como el blanco y el negro.

El fondo se divide en dos, utilizo la regla del horizonte, para reflejar mas el lado frontal que la base blanca, donde está el objeto principal, si es la base, pero gracias a la perspectiva con la que he capturado la imagen es más bien parte del fondo.

Mi intención igualmente no es darle protagonismo al fondo, pero si he decido separarlo con una corte diagonal y también diferenciarlo por sus distintas texturas.

Tiene un contraste suave y tenue al igual que la luz natural con la que la saqué, 

Muestra un grado de abstracción, ya que lo que se ve en ella no se relaciona con la realidad que podemos ver en lo cotidiano.

El significado de esta imagen es la gran capacidad que tienen los objetos de representar lo que ronda en nuestra imaginación, a menudo aun que no nos demos ni cuenta.

 








jueves, 31 de marzo de 2022

La representación del PODER

PRIMERO.

 

Voy a realizar un análisis de la evolución de la imagen con fines de poder político a lo largo de la historia.

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En el antiguo Egipto, se encuentran los orígenes de lo que es el Estado, porque dan muestra de una organización social y política, pues existía una relación entre el soberano de la comunidad política y la divinidad. 
Al inicio de la historia de Egipto, las esfinges representaron la fuerza y la sabiduría del rey.
Entre todas ellas destaca la Gran Esfinge de Gizeh, erigida en tiempos de la dinastía IV, la época más gloriosa del Imperio Antiguo.
 
 
En la siguiente imagen se pueden apreciar rasgos muy característicos de la época como son: los colores planos de las pinturas, las poses rígidas, hieráticas, con el torso mirando al frente al igual que los hombros y ojos, mientras que los pies estan totalmente girados apareciendo de perfil como la cabeza, destacando el ojo que mira frontalmente como si estuviera de frente. Los ropajes son blancos indicando pureza y con muchos pigmentos rojizos y el resaltado dorado, símbolo de grandeza y poder.

 


La imagen de la derecha es la tumba donde se encuentra Tutankamón. 
En esta sociedad, el rey era considerado un dios viviente. La palabra con la que se distinguían era "faraón". 
En esta época se considera poderoso a lo grandioso por lo que las personas con mayor poder las realizaban respectivamente mas monumentales y estilizadas que otras personas de menos rango o categoría.
 

Aquí el poder se manifestaba de muchas formas como era el lugar donde vivieses, como las ropas que llevaras, incluso los peinados y maquillajes también eran una distinción. Como los sombreros o diademas, hasta el lugar donde eras enterrado.
 
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Roma, tuvo una diversidad de gobiernos, al principio tuvo una monarquía, posteriormente una república, pero a finales del siglo II a.C.se estableció el imperio hasta el año 476 d.C.
 
Con estas diversas maneras mostraban el poder en el Imperio Romano:
 
Cicerón fue un político, abogado, intelectual y autor romano de gran renombre durante su tiempo, especialmente reconocido por su oratoria, que le sirvió para diseminar su ideología, y por sus aportes en la escritura de la historia romana.
 
Cicerón

César Augusto, también conocido como Octavio, fue el primer emperador romano, ya que con su antecesor murió la República que había gobernado Roma.
 
Octavio Augusto
 
Cayo o Gayo Julio César fue un político y militar romano del siglo I a. C. miembro de los patricios Julios Césares que alcanzó las más altas magistraturas del Estado romano y dominó la política de la República.

Julio César



 
Como se ven en las esculturas anteriores, en esta época se alababa la estructura osea, la esbeltez y la fisionomía. Se les representaban vestidos, con las vestimentas típicas romanas correspondiente a su estatus social, por ejemplo Julio César tiene una corona cívica puesta en la cabeza, mostrando mayor poder aún que los dos anteriores. Con un pergamino en la mano porque eran oradores y políticos, a parte de ser militares y emperadores.
Eran esculturas grandiosas, ya que seguían la acostumbre de representar la grandeza con "grandeza".
 
Denario de Augusto, en el reverso aparecen el busto de Julia centrada entre sus hijos Cayo y Lucio, con la corona cívica en la parte superior.
  
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El régimen político que se conoce con el nombre de feudalismo, es donde el rey debió ceder parte de su poder a los miembros de la nobleza perdiendo el dominio de esos territorios, a cambio de obediencia, fidelidad y acompañamiento en las guerras.
El feudalismo, la iglesia y la figura del emperador (REY) prevalecieron en la Edad Media.
 

Aquí se puede ver el poder religioso como cobra mayor importancia y lo reflejan en sus figuras y escultura, este de aquí abajo es Carlomagno, primer gran monarca europeo medieval, con un cetro con una cruz, la misma que tiene en la parte superior igual de su otra mano encima de una especie de esfera y también encima de la corona.
 
 
También se realizaban pinturas a personas de la alta nobleza como era el matrimonio Arnolfini, representados en la imagen de abajo. Esta obra esta llena de total simbolismo y atracción. Él con túnica oscura y sobrero enorme y ella con vestidos de colores cálidos, de los que se puede ver como desprende ternura y sensibilidad con esa mirada hacia abajo como de servidumbre, en esta época no solo era el marido sino también el amo y señor de la casa. Algo que se ve perfectamente reflejado en esa inclinación de la cabeza. 

El matrimonio Arnolfini.

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Renacimiento es el nombre dado en el siglo XIX a un amplio movimiento cultural.​ Fue un periodo de transición entre la Edad Media y los inicios de la Edad Moderna. El gobierno de los Reyes Católicos se considera de transición entre la Edad Media y la Edad Moderna.
 
Fernando II de Aragón e Isabel I de Castilla, reyes católicos.

En esta pintura de los reyes católicos, predominan los rasgos faciales de seriedad y superioridad. Es un encuadre en primer plano donde no es tan importante la ropa, la cual no sale por completo. Ella tiene un distintivo collar, simbolizando su rango y religiosidad.
Al igual que en la imagen de abajo de Carlos V, siendo pintura también, pero en esta el pintor si da importancia a la vestimenta, sacando al emperador completamente en un plano general, donde mira fijamente al frente en una pose de firmeza con una armadura típica para alguien que está habituado a montar en caballo, con su casco y arma.
 
 
Carlos V.
 
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En el Estado moderno, el Estado está por encima de la iglesia surgiendo el absolutismo, se nivelan las diferencias entre las clases y los ciudadanos, y logran tener igualdad jurídica. Existe una comunidad nacional organizada de acuerdo a funciones que les corresponden, también un orden jurídico para regular las relaciones entre el Estado y las personas, a quienes se les reconoce libertad individual, con cierto sometimiento al poder del Estado.
 
25 Pesetas del periodo de Alfonso XII

 
1 Peseta del periodo de Franco.
 
Utilizar la moneda de pago para representar el poder del momento (con el rostro del líder del estado) se ha hecho hasta nuestros días, es una buena manera de indicar al pueblo el poder en todo momento sabiendo la importancia que tiene el dinero en la sociedad.
 


En nuestra era con los medios audiovisuales y las redes sociales los políticos tienen muchas maneras y sitios donde indicar su poder y alzarse ante un público.
 
Y sabiendo que una imagen vale más que 1000 palabras, estos se publicitan con su bandera detrás o cerca, con letreros con sus campañas, para decir más que un mensaje, aprovechando el momento de un discurso, bien trajeados, normalmente de pie o sentados en un atril o escritorio.
Con una mirada firme transmitiendo un alto grado de seriedad y tenerlo todo "bajo control", como es el caso de Putin o como Rajoy que pretende transmitir cercanía y fiabilidad donde el lo demuestra sonriente, alzando la mano como muestra de amistad y apoyo.

Mariano Rajoy

Vladímir Putin
 
Trump apoyando a la Asociación Nacional del Rifle.

 
 

SEGUNDO.

 

Voy a hacer una reflexión sobre las similitudes entre la imagen política clásica y la de la actualidad.

... 

 
La imagen política ha evolucionado al igual que lo han hecho los medios donde promocionarse, las maneras en las que reflejar su poder y los intereses del pueblo tanto como los de ellos mismos.
Con la creación de la fotografía se abre una nueva manera de enfocar sus poderes políticos.
Antiguamente alababan a dioses y mitos y se reflejaba en la manera en la que querían nombrarse y ser recordados. 
A medida que pasa el tiempo, surgen nuevos intereses, nuevas ideologías, nuevas técnicas de pintura y de escultura, logrando que estos poderosos seres se luzcan de nuevas formas, en pinturas celebres e increíbles esculturas perfectamente compuestas y elaboradas.
 
Todas ellas se parecen en que pretenden mostrar de una manera u otra el poder que poseen, aunque antes predominara la divinidad, la grandeza, el poder económico y tanto la sabiduría como la seriedad era la manera en la que se mostraban, ahora, destaca el lugar que quieren ocupar en tus pensamientos, es decir, ser amigable, cercano a ti, quieren dar una buena imagen, transmitir compasión y entendimiento del ciudadano. 
Antes querían dejar clara la diferencia entre ellos y el pueblo, ahora, quieren parecer una persona más, sin ser más que un ciudadano cualquiera, haciéndose fotos sonriendo, felices y comprometidos con tu bienestar.

Sin embargo, se parecen en que cada uno de ellos se visten como lo hace la gente con "poder", es decir, antes lo hacían con vestimentas altamente llamativas y con muchos detalles y adornos, algo característico en las personas con alto poder político y social, mientras que en roma se distinguían de igual manera, las personas con mayor categoría vestías con atuendos lujosos y exóticos a diferencia de la plebe. Luego pasan los años y sigue siendo lo mismo, la ropa con la que te hacías ver refleja tu estatus tanto social como económico.
La apariencia lo es todo, ahora en la actualidad, se ve perfectamente lo que he dicho anteriormente, las personas con poder en actos públicos, discursos, etc.. visten formales y adecuadamente a la ocasión transmitiendo perfectamente el estado económico, político y social en el que se encuentran, mientras que en eventos sociales, de ocio o por ejemplo mientras hacen su día a día en su vida normal o día libre, se muestras con atuendos más informales y banales, donde si se hacen fotos o se las hacen no se van a mostrar firmes y serios si no cercanos, felices y mostrando que hacen vida normal como cualquier otra persona.


TERCERO.

 

He elaborado una imagen que manifiesta el PODER, con todo lo aprendido anteriormente.

...

 

Político español apoyando la ANR "Asociación Nacional del rifle"


En la anterior imagen, podemos ver un hombre de pie, en un plano medio, con aspecto formal; traje de chaqueta, negro con finas rayas blancas, por el cuello se puede apreciar la camisa que lleva, roja con lineas blancas y azules.
En su rostro se ve la felicidad y apoyo que pretende mostrar y transmitir respecto a la asociación.
En la esquina superior izquierda está la bandera española, no entera, pero gran parte de ella.
 
El rifle está centralizado en la imagen, formando una linea diagonal desde el inferior izquierdo hasta la parte superior derecha, mostrando la empuñadura más cercana al objetivo de la cámara, como mostrando confianza hacia el espectador.
Con una nitidez y exposición bien controlada, donde se aprecian todos los elementos con la misma claridad e importancia.
Es vertical y angulo frontal, con luz natural y tonos cálidos, en la que se aprecian las sombras del sujeto y lo que porta en la mano.
 
Transmite poder, control y a su vez cercanía que es lo que buscan los políticos de la actualidad.
Siendo una imagen posada, ya que el protagonista de la imagen realiza la pose que desea, con el gesto que cree oportuno, para transmitir cierto mensaje solo con ver la fotografía. "Apoyo"
 
Con la proporción áurea como inspiración mediante la regla de los tercios. Y utilizando el rifle como un gran elemento de composición de la imagen mediante una línea diagonal, llena de tensión que divide la imagen el dos.
Resaltando el rifle antes que el propio ser humano que lo sujeta.
 
Es veraz y realista, con funciones como: simbólica, gracias a la bandera de fondo, identificativa por representar de manera objetiva una determinada realidad y quizás también fática, ya que está sonriendo pero con un arma en las manos, quizás algo irónico o llamativo, pero diría que ese es el objetivo.

lunes, 7 de marzo de 2022

Denuncia Social

En esta entrada voy a analizar la obra y transcendencia social de 5 fotógrafos que utilizan la denuncia social como medio de expresión en sus imágenes.
 
 
DOROTHEA LANGE

 
Nació en Hoboken, Nueva Jersey en 1895. Una de las iniciadoras del documentalismo social. Con la crisis de 1929, su compromiso cívico y social la impulsó a salir a las calles de San Francisco para reflejar mediante sus fotografías la insostenible situación de los más desfavorecidos.
 
Es una de las más representativas y aclamadas fotógrafas del siglo XX. Con su fotoperiodismo documental dejó un gran legado tanto en la historia de la humanidad como en la historia de la fotografía. Ella atrapaba la zozobra, el vacío, la desesperación y la miseria más absoluta.
 
 
A California fruit tramp and his family Marysville Migrant Camp, 1935
Ditched stalled and stranded, 1935
Damaged child shacktown, 1936
Ex-slave with long memory, 1937


Madre Migrante, 1936

 
Dorothea Lange se convirtió en la testigo incuestionable de la Gran Depresión de los años treinta, la mujer que supo capturar como nadie el dolor social de la época.
 
El objetivo en sus obras es informar de la realidad, de la difícil situación de millones de personas. Con retratos cargados de humanidad, de sensibilidad y con una técnica en blanco y negro, basada en la perfección y la belleza.
 
En sus imágenes veraces y realistas todas ellas, quiere captar el sufrimiento de la época y se refleja perfectamente en los rostros de los retratados, sus vestimentas y pieles morenas, tostadas, por el constante tiempo expuestos al sol, en la intemperie, delgados y viviendo como podían.
Aportándoles una luz suave con tonos cálidos, monocromáticos o en sepias.
Capta las imágenes en encuadres medios, primeros planos y más... prestando total atención a los retratados, sus poses y miradas. Estas tienen función emotiva, logrando hacer que en el espectador nazcan sentimientos tan profundos y lúgubres, tal y como los retratados estarían pasándolo, claro que no igual que como lo pasarían entonces, pero te hace pensar en la suerte que tenemos de vivir donde vivimos y nacer en tiempos mejores.
 
Lo más interesante de sus trabajos es que muestra como la fotografía documental puede ser una obra de arte que conmueve y a la vez muestra belleza.
 
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CRISTINA GARCÍA RODERO

 
Nació en Puertollano, España en 1949. Estudió pintura en la Escuela de Bellas Artes en la Universidad de Madrid, antes de dedicarse a la fotografía. Obtuvo el título de maestra y trabajó a tiempo completo en la educación.
Miembro de la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando y la primera persona de nacionalidad española que entró a formar parte de la prestigiosa Agencia Magnum. 

Es la primera mujer nombrada Doctora Honoris Causa en la Universidad de Castilla-La Mancha. También dedicó su tiempo a investigar y fotografiar las fiestas populares y tradicionales (religiosas y paganas) principalmente en España, pero también en toda Europa mediterránea. Este proyecto culminó en su libro "España Oculta" publicado  en 1989, que ganó el «Libro del Año» en el Festival de Fotografía de Arles.

'ESPAÑA OCULTA'


Sus imágenes contienen una auténtica variedad de personajes urbanos y rurales que juegan el papel de iconos de un pasado nostálgico, con esta mirada crítica, ha construido una historia desde abajo, atenta a los pequeños detalles, resultado de la observación y la intuición.
Imágenes contundentes, crudas en su mayoría, pero también llenas de humor y de mucha emoción. Todas en blanco y negro con la luz ideal y justa para reflejar el alma de lo que quería proyectar. 

En ellas se aprecia su veracidad y realismo. Como utiliza la luz natural y aprovecha las sombras y el reflejo que esta aporta. Recoge a los personajes para que estos sean el total protagonista y te fijes en cada detalle por el orden que el ojo humano hace por naturaleza, por ejemplo en la imagen de los burros y el niño, ¿qué predomina? los burros; el tono tan oscuro en comparación con el paisaje y el pequeño niño, el cual es el segundo foco de atención por su tonalidad y tamaño.
A eso me refiero con que cada elemento predomina antes o después, ya sea, por el lugar que ocupa en la imagen, ya que el ojo humano sigue un sentido lógico inconscientemente, por las luces y  tonalidad de los colores, concretamente en las imágenes blancas y negras , con sus blancos, grises y negros y también por el tamaño de estas. Mediante planos en los que pretende encuadrar a los personajes para que se le vea completamente, o sea, planos generales, con luz natural, tenue y un grandísimo empleo del contraste, de tonos y sombras... 
Respetando la ley de los tercios, con función identificativa, ya que representa acontecimientos y hechos, pero tiene a su vez función apelativa y también emotiva por aludir a sentimientos tan nostálgicos como de pertenencia, de sus raíces y creencias, donde entra la función religiosa que invade increíblemente todas ellas. 

"Solo fotografío lo que me emociona, si no me emociona no puedo apretar el botón". dijo ella.

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HENRI CARTIER BRESSON
 
Nació en Chanteloup-en-Brie, Francia en 1908. Fue un célebre fotógrafo francés considerado por muchos el padre del fotoreportaje. Predicó siempre con la idea de atrapar el instante decisivo, versión traducida de sus "imágenes a hurtadillas".

A lo largo de su carrera, tuvo la oportunidad de retratar a personajes como Pablo Picasso, Ernesto "Che" Guevara, cubrió importantes eventos, como la muerte de Gandhi, la Guerra Civil Española, donde filmó el documental sobre el bando republicano "Victorie de la vie". Fue el primer periodista occidental que pudo visitar la Unión Soviética, tras la muerte de Stalin.

También fue cofundador de la Agencia Magnum. Su obra fue expuesta en el museo del Louvre en 1955.

Eunuch of the Imperial court of China

Rue Mouffetard, Paris

































































































































Seville, Spain.

Retrato de Alberto Giacometti.

Gestapo informer recognised by a woman she had denounced, Dessau, Alemania.
 
 

Creó el término que en fotografía se conoce como “el instante decisivo”o "momento decisivo". Un concepto que surge de su visión de la fotografía como “el único medio de expresión que fija siempre el instante preciso y fugitivo”.

Con ello, el fotógrafo ponía de manifiesto un término complejo que no consiste en tomar instantáneas al “libre albedrío” sino, más bien, en la anticipación que debe tener el fotógrafo a la hora de percibir la realidad y prepararse para capturar una imagen única e irrepetible.

En ellas se puede ver como separa el foco principal del segundo, como distingue al sujeto o sujetos principales del fondo mediante los contrastes, sombras y los blancos y  negros. Con ángulos frontales y luz natural, cálida y neutra con la que se ven todos los detalles; las miradas, gestos, poses y los objetos que portan o que aparecen en ellas, tanto como los escenarios que también guardan relación con el sujeto y en su mayoría,  marca un claro contraste y digamos que así nos muestra la sociedad y la denuncia social que quiere transmitir al mundo. Juega bastante con la ley de la mirada dejando espacios donde dirigir la mirada. Con un claro realismo y función identificativa y por supuesto emotiva.

No confió en los artificios ni en la alteración de la luz mediante el “flash”, por eso nunca lo usó para sus “momentos decisivos”.

Una colección de retratos que pretendían desnudar el alma de todos ellos. Buscaba plasmar el lado más sincero y dejar al margen todos los artificios que impidieran un agudo “estudio psicológico”. Para Bresson “el verdadero retrato no pone énfasis en lo refinado ni en lo grotesco, sino que intenta reflejar la personalidad”

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ROBERT CAPA

Nació en Budapest, Hungría en 1913. Posiblemente el fotógrafo más famoso de la historia, gracias a la forma con la que replanteó el reporterismo de guerra, con cámaras pequeñas que le permitían llegar donde no se había llegado antes y jugándose la vida para conseguir imágenes de los principales conflictos del siglo XX que darían la vuelta al mundo.

No en vano, es el dueño del corpus más importante de fotografía de acción en situaciones bélicas de la historia de la fotografía.
Fue uno de los fundadores de la meca de la fotografía documental, la agencia ‘Magnum‘, vivió una vida apasionante y fue testigo de los conflictos bélicos y sociales más importantes del siglo XX.

 

 
 
Utilizaba la fotografía como lenguaje universal para mostrar al mundo la otra cara de la guerra; los efectos del conflicto sobre la población más débil.
 
Es increíble la manera en la que logra una atmósfera en la fotografía que transmite algo en particular según su encuadre, nitidez o iluminación, compaginando todos estos factores para lograr estas obras tan memorables y auténticas.
 
Utiliza los blancos y negros jugando con las sombras y dando más contraste a los detalles que cree importante destacar. Son planos muy cercanos incluso deja elementos sin salir completamente, dando la sensación de que estas allí, así de cerca, donde capta momentos esporádicos, situaciones comunes y habituales en los retratados, en un tiempo de guerra como de puede observar.
Con tonos suaves y oscuros y una luz limpia y muy tenue, con total veracidad y realismo. Y las funciones son emotiva, apelativa y referencial.
 
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STEVE MCCURRY

Nació en Filadelfia, Pensilvania, Estados Unidos en 1950. Es un fotoperiodista, mundialmente conocido por ser el autor de la fotografía 'La niña afgana', aparecida en la revista National Geographic en 1985.
 
Su carrera de fotógrafo comenzó con la Guerra de Afganistán. Lleva décadas atrapándonos con sus retratos. Las miradas que transmiten emociones y los colores llenos de fuerza son la nota predominante en sus fotografías.

La muchacha afgana.
Pescadores con zanco, Sri Lanka.
Festival tradicional hindú de Ganesh Chaturthi en Mumbai, India.
Procesión de monjas, Burma.
 
Inquietantes miradas, diversidad de colores y elementos jocosos y culturales.
 
 
Son siempre imágenes que, por la mirada intensa de sus actores o por el contexto en las que las enmarca, despiertan una profunda empatía con el espectador, digamos que son cercanas a pesar de la situación y de la distancia.

En estas imágenes se aprecia la cantidad de colores que forman un conjunto, una imagen llena de impacto; por las posturas que realizan los retratados y sus miradas y gestos, como las actividades completamente culturales y populares que están ejecutando. Con luz natural y una buenísima exposición, de aspecto veraz y realista.
El color juega una grandísimo papel en sus obras, esos colores tan llamativos y complementarios aportando mayor contraste a todos los diferente elementos de las imágenes pero que compaginan a la perfección. Con función emotiva transmitiendo muchos sentimientos, poética, ya que capta momentos tan peculiares y a la vez habituales para ellos, igual que esas vestimentas y colores tan comunes para ellos y tan extrañas y exóticas para nosotros. Al igual que tiene función lúdica como se puede ver en las actividades que realizan y a lo que puedes llegar a sentir o llegar a recordar solo con verlas.
 
 
 

Ami me recuerda a colores de la India, a su cultura y raíces o a los colores que ves en las favelas de rio de Janeiro, Brasil.
 

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Lo que a veces no se puede expresar ni entender a través de las palabras, se consigue gracias a imágenes.
 
El fotoperiodismo es una disciplina a caballo entre el periodismo y el arte. La fotografía como denuncia, no nace de captar la realidad tal cual es, en ella no tiene lugar la asepsia del fotógrafo. Es siempre una toma de postura, una declaración pública, una pedrada visual, abierta y definida. Es, como diría Philippe Dubois, una imagen deíctica, que señala, una imagen que apunta y delata.
 
La denuncia fotográfica se cierra, se concreta, únicamente a partir de nosotros.
 
Sólo a través de los espectadores, se puebla la imagen de significados, y sólo a partir de los significados, puede la foto tener un impacto sobre la realidad.